Le théâtre pictural de Roger Brown

Roger Brown (1941-1997) presque totalement inconnu de ce coté de l'Atlantique est une figure importante de la scène des Chicago Imagists déjà évoquée ici ainsi que dans le paysage artistique Californien. L'article wikipédia est très riche et précis en informations sur sa formation, ses influences diverses ainsi que son activité de collectionneur avide à travers laquelle il a rempli de nombreuses maison-atelier-musée très attachés au territoire provincial et multi-ethnique américain. Il a développé un univers visuel assez distinct et identifiable, mais ce n'est pas ce qui m'intéresse le plus (ce qui se fixe en une image canonique) mais plutot les arborescences à partir de ce tronc si c'en est un. 

Tout d'abord, j'aime et ai été saisi par sa théâtralisation de l'image picturale, qu'on peut relier à Klee ou aux Teatrini des années 60 de Lucio Fontana. Il théâtralise la représentation par les bords et dans l'image même qui ouvre sur des jeux d'éclairage et de modelé très Fernand Léger/publicitaire. Cela ouvre ensuite à des paysages stylisés assez pulp où cohabitent divers échelles très contrastées, surtout des humains minuscules et non singularisés/des figures non psychologiques.

Roger Brown, Untitled, série des Theater, 1968

Lucio Fontana, concetto spaziale, teatrino, 1960s (peinture à l'eau sur toile, bois laqué) 103.5 x 84.2cm

Cutting the rug, 1969

Untitled, Theater, 1968

Viewing the Auroral Drapery, 1971, Oil on canvas

Qui ouvre ensuite sur du motif, textile, tribal indien ou décoratif tout en étant encore de la figuration à minima. Ca figure sur les bords mais pas au milieu. On trouve ensuite une registre du portrait populaire, de la pancarte publicitaire africaine qui s'accompagne de slogans et textes/typos peintes qui fusionnent certains moments dans des paysages totémiques sexualisés. Graphes, symboles, motifs, paysage et figures cohabitent dans une forme syncrétique comme s'il avait construit sa propre mythologie et tribu primitive, sans doute ce qu'il a cherché à faire au fil des ans. A être un peuple lui-même, élaborant une écriture plastique et stylistique du rapport à l'autre, aux style des autres...

Atop Stone Mountain, 1972

Weather map 1971

Arrangement in Blue and Gry, The Artist and His Friend Fishing 1985

Crosswinds 1983

Burned Hills May / October 1997

Aha! Heterosexuals Fuck Too, 1991

Alan-Artner, Contortionist of Irony, 1993

The Writing in the Sky 1985

Tourist trap, 1974

Post Modern Res-erection with observation deck, 1984

A Tree I Saw in Sunderland, 1980 sérigraphie

Mais ce que j'aime surtout ce sont les œuvres tardives et la série des Virtual Still Lifes, presque des mausolées ou autels personnels où le tableau devient objet et s'accompagne de céramiques qu'il collectionnait. L'oeuvre faite/peinte fusionne avec son environnement de vie et ainsi tout converge dans une œuvre qui thésaurise. Il déborde et contamine le cadre, l'espace autour de la peinture, travaille la cicatrisation entre l'oeuvre et le monde, fait culture (voir ses lignes de champs et de semences tressées) sous des cieux inquiets (voir le lien depuis sa page Wikipédia vers La Conchita et l'image de glissement de terrain qui évoque fortement ses peintures) mais chargés. On peut voir son influence chez John Bankston, Melissa Brown (un lien ?), Christian Hidaka ou Hyesoo You.

3 vues de l'intérieure de la Conchita, ci dessus avec un beau Barbara Rossi

Roger Brown

Hancock Building, 1974

Jack Knife, 1973

Dr. Imperial's Tree of Knowledge, oil on canvas with neon

Foothill Footstool, 1975 oil on found object

Pronghorn Diorama, 1987

Diverses Oeuvres de la série des Virtual Still-Lifes

et un dernier choix-triptique de détails qui montrent son rapport à l'échelle humaine, au paysage et à l'objet, qui dit une condition actuelle de nos vies par l'interpénétration de ces 3 catégories (portrait, paysage, nature morte), vies parmi les objets sur la scène sans limites d'un théâtre métaphysique à la De Chirico

Barbara ROSSI

Je profite d'une exposition récente de cette artiste méconnue au New Museum à New York, exposition que je n'ai pas vue, située au RDC a coté de la cafétéria dans un espace horrible, mais bon … J'ai découvert ce travail il y a 2 ans avec la sortie de What Nerve ! ainsi qu'avec les artistes de Chicago, des Monster Roster aux Chicago Imagists et les Hairy who, dont Ed Paschke ou Peter Saul sont les plus connus. Ils on t poursuivi, contre la doxa de leur temps (minimal, conceptuel, povera, critique institutionnelle) un art de l'image, figuratif, souvent monstrueux, techniquement sophistiqué, bien plus subtil ou libre thématiquement que la figuration narrative chez nous. Ils héritaient autant de la BD underground que du pop art ou de Guston et Picabia : bref une figuration alter-native. Ils ont ouvert le chemin à Mike Kelley, Jeff Koons, George Condo ou les Simpsons, entre nombreux autres … Donc parmi ces solitaires résistants, Barbara Rossi. 

Vernon, oil & graphite on canvas

 

Son travail est fait de dessins aux lignes sinueuses et serpentines d'origine biomorphiques (sillons de visages et masses de tête) qui ouvre sur un jeu cognitif d'associations, reconnaissances, délires, une sorte d'abstraction figurative, terme qui m'est cher, immensément riche et offerte par l'expressionnisme abstrait de Gorky ou Frankenthaler (qui cherchait une autre type de figuration selon ses propres mots). Entre geste et spéculation optique puis imaginaire.

Rossi fait partie de la génération d'après l'expressionnisme, qui considère ce monde des ainés comme des données physiques et objectives, des mondes incarnés qu'il est possible de « popifier », de simplifier et styliser (comme Jean Hélion ou César Domela) comme on le ferait sur du modèle vivant ou des natures mortes, par l'observation synthétisée dans le geste et le traitement de la couleur ou lumière grâce à la trame et au motif.

Shep Step II, 1973 acrylique sur plexiglas

Wee Purr, 1972, acrylique sur plexiglas

 

Shep step, 1972, acrylique sur plexiglas

Rose Rock, 1972, acrylique sur plexiglas

Elle réalise donc soit des compositions en amas composites évoquant le portrait ou bien des scènes à la théâtralité horizontale, les deux dans la fidèle logique de Paul Klee. L'expérimentation n'est plus sur le geste (quoique) et la matière mais sur le traitement de surface, les effets de l'image imprimée  : aplat ou nuancé d'ombre plates, tramé de multiple façons et jouant des bordures. La ligne de contour, simple ou doublée d'une nuance, d'une fine trame, irradiant dans la masse par ondes. Le plus fou est ensuite le choix de colorer la ligne de cloisonnement et de produire du volume ainsi.
J'aime sa capacité à développer et à caractériser la tache sans qu'elle perde sa singularité, sans l'emmener dans une moyenne déjà vue, dans une forme générique , ce rebond entre premier geste et retour/développement dans le temps sur la matière et l'instant initial.

Beach dancing, 1977

turns, 1981

 

Crucifixions by a thread, 1983

L'imagerie plus tardive, horizontale, est vraiment singulière : devenant encore plus sophistiquée, pré-Photoshop ou pré-informatique et pourtant très archaïque (comme Memphis) allant vers le hiéroglyphe, la frise indienne ou aztèque. Elle ouvre là un théâtre de formes très mobiles, très singulier, avec son éclairage propre, ses réglages de couleurs propres, sa tradition stylistique propre et des sujets très précis autant qu'originaux mais dont les titres me semble encore en-deça de l'image même. Inventer des sujets figuratifs nouveaux n'est pas rien ! Comme le font Dana Schutz ou Yves Netzammer ou Orion Martin aujourd'hui.

Cesar Domela, 1974

Orion Martin, non identifié, 2015

On voit des acrobates devenant mobiliers, des corps allongés, hospitalisés, oscultés, endormis mais vifs, en forme. Elle met en scène l'apparition de formes dans un cadre, joue de l'oeuvre comme objet sans empêcher l'image et le corps d'advenir. Elle invente une incarnation possible par la ligne colorée. Un corps de lignes et de nœuds, tendus et tendres. Des mutants heureux dans un théâtre mental différent de celui de Chirico mais pas loin non plus  : des corps + un espace pour les accueillir et les faire habiter un monde, pas LE monde, mais UN monde. Donc un imaginaire du corps, un imaginaire où projeter notre corps autre que celui des films, de la pub et de l'art déjà existant.

 

Pursuing twins et détails, 1979

Sleepers, 1991